Jazz+

Christian Weidner (Saxophon)
Achim Kaufmann (Klavier)
Henning Sieverts (Kontrabass)
Samuel Rohrer (Schlagzeug)

„Listen to it closely: Ain’t you heard something underneath….“

Der Amerikanische Dichter Langston Hughes fordert uns auf genau zu hören, was sich unter der Oberfläche befindet.

Unter der Oberfläche ist das, was Christian Weidner interessiert. Dahin zieht uns der geheimnisvolle Sog seiner Musik. Mal pulsierend hypnotisch, mal lyrisch, mal kleinteilig verwinckelt, mal hymnisch singend, mal seelig kontemplativ. Und wenn sie sich aufbäumt, dann tut sie das mit einer unaufhaltsamen Wucht, brodelnd, reißt mit und führt in die Tiefe unter der Oberfläche. Und da tut sich eine raffinierte Komplexität auf, Formen werden offenbar, die sich weit öffnen, die sich Zeit und Raum greifen, wenn sich Christian Weidners erstklassig besetztes Quartett den originären, floskellosen Kompositionen hingibt.

„Dream Boogie“ heißt das aktuelle Programm des Quartetts nach einem Gedicht von Langston Hughes. Christian Weidner hat Musik komponiert, die auf faszinierende Art zugleich entrückt und ganz nah ist. „Wir Instrumentalisten versuchen alle, der menschlichen Stimme am nächsten zu kommen“ sagt der Pianist Pablo Held und Christian ist der „lebende Beweis, dass das geht“.

„Bei dieser Musik hat man das Gefühl, sie entspringt einer tiefen kollektiven Innerlichkeit und Verbundenheit. Ihrer schlichten und lyrischen Schönheit wohnt eine spirituelle Qualität inne, der man sich als Hörer nicht entziehen kann.“
(Thorsten Hingst, Jazz Podium)

„Die Musik seines Quartetts verharrt niemals in Klischees, sie bündelt auf geheimnisvolle Weise die Kräfte eines traditionellen Formats.“
(Rolf Thomas, Jazz thing)

www.christianweidner.com

Tim Collins (Vibraphon)
Matthias Bublath (Klavier)
Gertrud Schilde (Violine)
Jörg Widmoser (Violine)
Andreas Höricht (Bratsche)
Philipp Wiede (Cello)

Der aus USA stammende und mittlerweile in München lebende Vibraphonist und Komponist Tim Collins wird als eine der ersten Adressen für das Vibraphon gehandelt. Er arbeitete bereits mit Donny McCaslin, Aaron Goldberg, John Hollenbeck oder John Ellis, bevor er aus privaten Gründen zum Wahlmünchner wurde.

Seine für dieses Ensemble komponierte Musikist beeinflusst von europäischer Klassik und den vielseitigen Einflüssen seines langjährigen musikalischen Schaffens in der Jazz-Metropole NewYork. Seine Kompositionen verbinden harmonische Klangvielfalt mit modernen Grooves zu einem virtuosen Bandsound.

Die Kritiker nennen ihn einen „world-class vibes player“ (CJSR Canada), einen „musician of fire“ (Washington Post) oder einfach „nothing else than exemplary“ (Downbeat).

www.timcollinsmusic.com

Tobias Meinhart (Saxophon, Klarinette)
Yago Vazquez (Klavier, Fender Rhodes)
Phil Donkin (Kontrabass)
Jesse Simpson (Schlagzeug)

Das JazzThing Magazin bezeichnet ihn als „eines der grössten deutschen Talente am Tenorsaxofon“ (9/13). Nach seinem vielbeachteten Debut in der „Next Generation“-Serie, gewann Tobias Meinhart 2012 den renommierten „Best Soloist“ Award am Int. Jazzfestival in Getxo, Spanien.

Die neue Cd des in den USA lebenden Saxophonisten atmet den Geist der pulsierenden Jazz-Metropole New York und verbindet sie mit Singer‐/Songwriter Elementen. Beeinflusst durch die Musik von Songwritern wie Elliot Smith, Sophie Hunger oder Becca Stevens hat Tobias Meinhart ein neues Programm mit persönlicher Note geschrieben. Auch Jazzgrössen wie Miles, Shorter oder Lovano haben ihre Handschrift im Bandsound hinterlassen.

,In Between’ entstand kurz bevor Tobias Meinhart zurück nach New York gezogen ist. Viele Stücke reflektieren das Pendeln zwischen den Kontinenten und den sich daraus ergebenden Schwierigkeiten. Es gibt freiere Passagen wie in ‚Planes’ – geschrieben während eines Transatlantikflugs – bei der Harmonien und Melodien in einen losen Zusammenhang gestellt werden. Dem gegenüber stehen groovige Songs wie ‚Don’t blow up the planet’ bei dem das Rhodes anstelle des Klaviers zum Einsatz kommt.

Für diese Tour bringt Tobias Meinhart seine amerikanische Working-Band mit nach Europa – die eingespielte Rhythm-Section vereint einige der bedeutendsten Newcomer der New Yorker Szene.

Bassist Phil Donkin ist sowohl in New York als auch Europa ein viel gefragter Sideman und spielt regelmässig mit Jazzgrössen wie Kurt Rosenwinkel. Auch der in San Francisco aufgewachsene Drummer Jesse Simpson spielt trotz seiner erst 24 Jahren bereits mit Stars wie John Abercrombie und Marc Copland. Pianist Yago Vazquez stammt ursprünglich aus Galizien, studierte mit einem Stipendium an der renommierten „New School“ und tritt seitdem mit diversen New Yorker Bands auf, ua. mit Billy Harper, dem Coltrane Bassisten Reggie Workman und der amerikanischen Sängerin Rachel Brotman, mit der er gerade eine US-Tour bestritten hat.

www.tobiasmeinhart.com

Henning Sieverts (Kontrabass, Cello)
Peter O´Mara (Gitarre)

Der international renommierte Münchner Bassist und Cellist Henning Sieverts (über 120 CDs, ECHO Jazz 2010) war schon häufig in der „Seidlvilla“ zu Gast, u.a. mit seinem „Blauer Reiter“-Quartett. Mit dem australischen Weltklasse-Gitarristen Peter O´Mara spielt er seit über 20 Jahren in verschiedensten Besetzungen.

Ihr Duo-Programm steht unter dem Motto „Heart Songs“ – mit einigen der berührendsten Melodien aus dem „Great American Songbook“ wie „How My Heart Sings“, „Only Trust Your Heart“ oder „My Heart Stood Still“ – dazu eigene Kompositionen, die hoffentlich zu Herzen gehen. Ein Abend des intimen Zwiegesprächs auf sechs plus vier Saiten!

www.henningsieverts.de
www.peteromara.com

Till Martin (Saxophon)
Christian Elsässer (Klavier)
Henning Sieverts (Cello)
Andreas Höricht (Bratsche)
Bastian Jütte (Schlagzeug)

Der Liederzyklus „Regarding a line“ basiert auf einer einzigen Melodie. Alle Kompositionen entstanden ausgehend von ihrer Tonfolge. Wie ein unsichtbares Band zieht sie sich durch die CD und ändert dabei stückweise ihre Funktion.

Das es sich hier um eine Zwölftonreihe handelt, dürfte kaum auffallen. Sie erklingt als barocke Miniatur, schlüpft in die Gestalt eines mittelalterlichen Tanzliedes, schlägt eine Brücke zu Duke Ellington und trifft auf zeitgenössischen Jazz.

In diesem reizvollen Spannungsfeld neuer Zusammenhänge agiert das namhaft besetzte Quartett und verleiht den unterschiedlichen Interpretationen Sinn und Seele.

Im zweiten Teil des Konzerts spielt die Band neue, für Quintett arrangierte Musik und wird zu diesem Zweck durch Bratsche erweitert.

www.till-martin.de

Karl Ivar Refseth (NO), Vibraphon
Christian Weidner (DE), Alt-Saxophon
Matthias Pichler (AT), Kontrabass

Die Musik des Karl Ivar Refseth Trios zeichnet sich durch ätherisch anmutende Stücke aus, die von den Musikern Karl Ivar Refseth (Vibraphon), Christian Weidner (At-Saxophon) und Matthias Pichler (Kontrabass) dargeboten werden. Mit warmen Klängen, schlichten Melodien und der meditativen Stimmung teils improvisierter Kompositionen betört das Trio sein Publikum.

In Titel wie „Amen“, „Postludium“ oder „Rest in Peace“ kommt ein besonderer sakraler Gestus zum Ausdruck, der durch Karl Ivar Refseths klassischen Hintergrund begründet ist. Sein fünfjähriges Engagement als Gründungsmitglied des preisgekrönten Andromeda Mega Express Orchestra oder seine Arbeit mit Tied&Tickled Trio/Billy Hart oder als fester Live- Musiker bei The Notwist haben starken Einfluss auf seine für dieses Trio neu geschriebenen Kompositionen gehabt.

www.kirefseth.com

Stefan Aeby (Klavier)
André Pousaz (Kontrabass)
Michi Stulz (Schlagzeug)

„Virtuoser Kammerjazz ohne Prahlerei, dafür mit wahren Schätzen an träumerischer und lyrischer Musik“.

So beschreibt der Journalist Eric Steiner in „La Liberté“ die Musik des Stefan Aeby Trios. Mit Stefan Aeby am Piano, André Pousaz am Bass und Michi Stulz am Schlagzeug erreicht das Trio eine neue klangliche Dimension mit einem starken eigenen Klang, einem echten „Bandsound“. Diesen von einem starken, intuitiven Interplay geprägten Bandsound beschreibt das deutsche Magazin „Jazz Thing” mit den Worten:

„Kultivierte Klangästhetik mit ganz eigenem Gesicht- eines der vielversprechendsten Projekte, die die Schweiz zurzeit zu bieten hat.“ und befindet das Trio weiter als „Etwas ganz Besonderes!”

Das Repertoire des Trios besteht ausschliesslich aus Eigenkompositionen von Stefan Aeby. Eingängige, lyrische Melodien treffen auf sehr farbenreiche und vielfältige Harmonien. Diese Harmonien sind sehr originell, überraschen den Zuhörer immer wieder und verbinden sich sehr gut sowohl mit den von aktueller Musik inspirierten Grooves als auch mit den rhythmisch offeneren Teilen. Die Kompositionen sind musikalische Reisen, persönliche und intime Stücke, welche den Zuhörer einfangen und berühren, ohne aber technische Aspekte in den Vordergrund zu stellen. Daher erhält die Musik eine packende Dringlichkeit.

„Ein Pianotrio, das sich mutig gegen die Flut gängiger Genres stemmt und behauptet” (Stereo, September 2010)

David Kane schreibt im New Yorker ‘Cadence Magazin’: „The compositions are uniformly excellent, filled with unexpected twists and surprising harmonic choices”.

Das Trio interpretiert diese Musik immer wieder neu, dynamisch und voller lebendiger Energie, findet sich in freien als auch in harmonisch komplexeren Teilen zu einer Einheit zusammen. Die Musik des Trios ist sehr persönlich, lässt viel Platz, gibt jedem Musiker Freiheiten und bietet viel Raum für Improvisation. Zentrales Anliegen ist dabei immer der Dialog, das Interplay. Die Leipziger Zeitung schrieb dazu:

„Lyrisch, ohne sentimental zu sein, groovend, ohne sich anzubiedern, souverän, doch ohne Routinestarre entwickelt das Trio einen berückenden Bandsound.“

www.stefanaebytrio.com

Johannes Bigge (Klavier)
Athina Kontou (Kontrabass)
Jan Roth (Schlagzeug)

Das ist neuer Jazz aus Leipzig – tiefsinnig und lebendig, und voller Ehrlichkeit. Mit seinem Spiel kreiert das Johannes Bigge Trio eindrückliche Stimmungen, die den Zuhörer vom ersten bis zum letzten Ton in seinen Bann ziehen. Inspirieren lassen sich die Musiker dabei von der einfachen Schönheit guter Popmusik, der ausgefeilten Komposition klassischer Musik und der Frische und Lebendigkeit des improvisierten Jazz.

Heraus kommen eigenwillige Kompositionen mit starken Themen: rhythmisch prägnant und voller Vorstellungskraft. Sowohl in der bereits sehr eigenständigen harmonischen Sprache des Pianisten als auch in den lyrischen Melodiebögen seiner Improvisationen hört man den Einfluss seines Lehrers Richie Beirach. Geerdet durch Athina Kontou am Kontrabass, angetrieben von Jan Roth am Schlagzeug und gesteuert von Johannes Bigge am Klavier erforscht das Trio die Wege, die die Kompositionen des Pianisten eröffnen.

Der Berliner Johannes Bigge spielt seit seiner Kindheit Klavier und begann als Jugendlicher zu improvisieren und bald auch zu komponieren. Seit 2008 studiert Johannes Bigge Jazz-Piano bei Richie Beirach in Leipzig. Dort ist er kompositorisch und als Pianist in verschiedenen Bands aktiv. Johannes Bigge ist aktueller Träger des Leipziger Jazznachwuchspreises der Marion Ermer Stiftung und Stipendiat des Yehudi Menuhin LiveMusicNow e.V.

Die Bassistin Athina Kontou traf der Pianist beim Studium an der Hochschule für Musik und Theater Leipzig, wo sie von Beginn an in verschiedenen Formationen zusammenspielten und sich seit 2009 seiner Musik widmeten. Athina Kontou studierte Kontrabass bei Manfred Bründl in Weimar und bei Pepe Berns in Leipzig. Sie ist Stipendiatin des Yehudi Menuhin LiveMusicNow e.V.

Jan Roth wuchs in Markneukirchen auf, studierte in Leipzig Schlagzeug und ging dann nach New York, um dort weiterzustudieren. Er spielte schon mit Künstlern wie Carla Bley, Steve Swallow und Richie Beirach.

Das Trio nahm im März 2012 am 21. Bundesweiten Jazznachwuchsfestival in der Leipziger Moritzbastei teil und trat im September 2012 bei den Leipziger Jazztagen auf.

„Johannes Bigge verfügt bereits über ein erstaunliches Können als Pianist. Er erweist sich als ein souveräner und einfallsreicher Improvisator und als ein Jazzmusiker mit eigenständigen kompositorischen Ideen. Sein Spiel im Trio überzeugt durch interaktives Musizieren mit der Bassistin und dem Schlagzeuger. Johannes Bigge ist auf dem Weg zu einer eigenen Klangsprache. Seine nuancenreiche Art pianistischen Gestaltens entbehrt des Modischen, erweist sich als hochtalentiert, sensibel, originell und innovativ orientiert.“

Dr. Bert Noglik

Christian Lillinger (Schlagzeug)
Philipp Gropper (Saxophon)
Ronny Graupe (Gitarre)

Hyperactive Kid sind drei Musiker aus Berlin: Philipp Gropper am Tenor-saxophon, Ronny Graupe an der siebensaitigen Gitarre und Christian Lillinger am Schlagzeug.

Die Musiker verzichten auf ein Bassinstrument und gehen somit einen unkonventionellen Weg innerhalb der modernen Musik. Seit 2003 verschmelzen sie so Jazz mit Rock, Drum & Bass und Neuer Musik. Themen und Improvisationen verbinden sich zu einem malerisch, kraftvollem Spiel. Es gibt keine Rhythmusgruppe und keine Solisten. Alle sind alles. Urplötzlich werden Stimmungen über Bord geworfen und ebenso überraschend wieder zurück ins Boot geholt.

„Hyperactive Kid, die populärsten Avantgarde-Band der Stadt“
Tip Berlin (September 2010)

„I left euphoric. I had come with no expectations, no point of reference. What I experienced was better than a great performance; it changed my idea of what jazz could be.“
Max Levenson, www.mixtapemuse.com (Juli 2010)

„Ende März im Berliner Programm-Kino Babylon. (…) Auf dem Plan standen Ravi Coltrane mit seinem Quartett, Don Byron mit seinem neuen Gospel-Outlet und als verbindendes Glied in der Lounge die Berliner Band Hyperactive Kid. (…) Die großen Gewinner des Abends waren Hyperactive Kid. Das Publikum war wegen der großen Stars aus New York gekommen und trug eine Berliner Band im Ohr nach Hause. Hyperactive Kid hatten keine Ahnung dass sie die Retter des Abends waren. Doch sie traten mit einer Leidenschaft und kreativen Power in Aktion, als wäre es der letzte Abend ihrer Laufbahn. Diese Performance machte Spaß, denn sie hatte etwas mit der Wirklichkeit zu tun, der jede einzelne Besucher an diesem Tag irgendwo in Berlin begegnet war. Saxofonist Philipp Gropper, Gitarrist Ronny Graupe und Drummer Christian Lillinger spieleten nicht für ihre eigene Gefolgschaft und rissen die Leute trotzdem aus ihrer Pausen-Lethargie. Urbane Beiläufigkeit und individuelle Intensität ergaben genau jene Liaison, die Berlin so lange gefehlt hatte.“
Wolf Kampmann, Jazzthing #84 (Juni 2010)

www.hyperactivekid.de

Peter Ehwald (Saxophon)
Arthur Lea (Klavier + Tenor Horn)
Matthias Akeo Nowak (Kontrabass)
Jon Scott (Schlagzeug)

Auf einer guten Tour ist es nicht von Bedeutung, wohin man fährt. Man braucht einen guten Orientierungssinn und es ist wichtig, mit wem man unterwegs ist. Wenn Paragon spielt, dann nehmen sie ihr Publikum mit auf eine Reise.

Man stelle sich 100 Einheimische vor, gedrängt in eine Scheune in der Picardie in Nordfrankreich. Eine sanfte Ballade endet und eine quietschende Saxophon Kadenz bringt ein kleines Mädchen zum Lachen. Es entspinnt sich ein Dialog aus experimentellen Polyphonics des Saxophons und dem Kichern des Mädchens, bevor sich die angestaute Energie in einem atemberaubenden Finale der ganzen Band entlad.

Seit dem ersten gemeinsamen Ton entwickelten der Berliner Saxophonist Peter Ehwald und der Londoner Pianist Arthur Lea eine ganz persönliche musikalische Sprache.

Resultat ihrer Arbeit ist eine Musik, die alles zugleich sein kann: vertrackt, schlicht, lustig und melancholisch.

Die Einfüsse reichen von Stravinsky bis zu 80er Jahre Pop-Epen. Die Intention bleibt bei all dem aber klar: It’s all about communication! – Starke Melodien geben die Richtung vor. Und doch wird die Musik viel mehr von den Charakteren der vier Musiker geformt. Sie arbeiteten bereits mit internationalen Größen, wie: Clarence Penn, Nils Wogram, Gunter Hampel, Dan Weiss, Frank Möbus, Rudi Mahall, Sara Caswell, Herbaliser, John Helliwell (Supertramp), Mark Hart (Crowded House), Mike Walker, Robert Mitchel, Georg Ruby, Claudio Puntin, Gerard Presenscer.

Paragons kreative Reise begann 2003 mit Ihrem ersten Auftritt im traditionsreichen Londoner Jazzclub 606. Danach führte sie zum Beispiel zur Veröffentlichung ihrer ersten Platte „Never Rent A Flat“ (Konnex Records 2005) und zur Ehrung durch den „Prix du Publique“ beim Tremplin Jazz Festival in Avignon. Nun haben sie, nach zwei Jahren verschiedenster Konzerttourneen durch Deutschland und England, ihre zweite CD „Quarterlife Crisis“ fertig gestellt.

www.paragonlikesyou.com

Johannes Ludwig (Altsaxophon)
Alexander Bühl (Tenorsaxophon)
Christian Elsässer (Klavier)
Max Leiß (Kontrabass)
Julian Fau (Schlagzeug)

Der Saxophonist Johannes Ludwig ist Angehöriger einer jungen deutschen Jazz-Generation, die sich auch von jazzfremden Stilen, wie z.b. progressivem Rock und Pop, beeinflussen lässt. Sein Saxophonstudium an der Hochschule für Musik Nürnberg bei Hubert Winter, Prof. Klaus Graf und Prof. Steffen Schorn schloss er 2011 mit Auszeichnung ab. Ab Oktober 2012 studiert er Master Jazz-Komposition bei Prof. Joachim Ullrich an der Hochschule für Musik und Tanz Köln.

Im Johannes Ludwig Quintett spielt Johannes ausschließlich seine eigene Musik. Deren Klangbild hat sich über die Jahre immer weiterentwickelt und zeigt sich derzeit als hochexplosives und gleichzeitig extrem klangtiefes Gebräu, zu dem jeder seine individuelle Klangsprache beiträgt und so ein besonderer Bandsound kreiert wird – die Bandmitglieder spielten großteils schon über Jahre hinweg viel zusammen. 2011 hat die Band ihr erstes Album aufgenommen, das Johannes Enders am Tenorsaxophon featured und im Mai 2012 bei Nagel Heyer Records erschienen ist.

Alle Bandmitglieder haben schon eine Vielzahl von Preisen gewonnen und haben sich als Leader und Sidemen in der jungen deutschen und europäischen Szene einen Namen gemacht.

www.johannesludwig.com

Paolo Thorsen-Nagel (Gitarre, Komposition)
Jason Seizer (Saxophon)
Marc Mean (Klavier)
Benny Schäfer (Kontrabass)
Matthias Gmelin (Schlagzeug)

Die Kompositionen des Gitarristen Paolo Thorsen-Nagel eröffnen dem Hörer eine weite Klanglandschaft. Dort entfalten sich filigrane Gesten aus dem Moment heraus und verwandeln sich in spannungsgeladene Dialoge zwischen den Musikern. In einfühlsamem Zusammenspiel ergänzen sich die Musiker zu einem melodiösen und vielschichtigen Bandsound, in dem Songformen des Rock, Elemente der Minimal Music, sowie kammermusikalische Stimmungen, zu einer modernen Jazzform verwoben werden. Dabei sind die musikalischen Reisen der Band gleichermassen mit Präzision und Risiko navigiert – immer mit dem Ziel eines zeitgemässen, persönlichen Jazz Ausdrucks. Die vom Moment inspirierte Interaktion zwischen den einzelnen Bandmitgliedern verleiht der Musik einen zeitlos-anziehenden Charakter – auf der Bühne, sowie beim Zuhörer.

Im April 2012 hat das Paolo Thorsen-Nagel Projekt seine Debüt CD ‚And On‘ mit den Gästen Matthieu Michel und Johannes Enders aufgenommen; in Co-Produktion mit Peter Bürli (DRS2); Release ist im März 2013. Das Paolo Thorsen-Nagel Projekt verspricht schon jetzt sich als eine der vielversprechenden Gruppen der deutschsprachigen Jazzszene zu etablieren. Mit Pablo Held/Marc Mean, Arne Huber und Daniel Mudrack hat Thorsen-Nagel hochsensible und virtuose Mitmusiker gefunden, die Ton für Ton, gemeinsam eine sich ständig erneuernde Vision des Jazz kultivieren.

www.paolothorsennagel.com