Archiv von “2025

11.03.2025_Altered Forms Trio & Steffi Narr

Steffi Narr (Gitarre)
Gregor Forbes (Klavier)
Robert Lucaciu (Kontrabass)
Johannes von Buttlar (Schlagzeug)

Das in Leipzig ansässige Altered Forms Trio, bestehend aus dem schottischen Pianisten und Komponisten Gregor Forbes, dem Bassisten Robert Lucaciu und dem Schlagzeuger Johannes von Buttlar, spielt improvisierte Musik und Eigenkompositionen mit einer ebenso raffinierten wie explosiven Klangwelt: eine windig-wilde, flatternde, neugierige, stachelig-fröhliche, grüblerische Post-Cecil-Taylor-Stimmung, eine Crumble-Jazz-Ästhetik.

Gegründet 2019 und mit regelmäßigen Konzertterminen und Kollaborationen mit Koryphäen wie Steffi Narr,, Angelika Niescier, Fred Frith, Gabby Fluke-Mogul und Raymond MacDonald hat sich das Trio einen unverwechselbaren Platz in der deutschen Jazz- und Improvisationsmusikszene erspielt. Ihre Avantgarde-Mentalität verschmilzt mit spontaner Spielfreude und ekstatischer Energie zu einer einzigartigen kreativen Kraft.

Presse:

“The music on the recording crackles with energy and elasticity, with the rhythm section bringing jagged propulsion to the splattery lines of Forbes. As you can hear below on the piece “Splinter Shot” the trio delivers an infectious bob-and-weave attack, with each musician simultaneously in alignment while also pushing against one another, generating a delicious tension. On some of the material, such as “Blue Greegs,” the pianist summons the more introspective side of Cecil Taylor, eschewing his explosive fury in favor of the more ruminative searching contained in his playing, Forbes will lay out a phrase or line, letting it hang pregnant in the air before making his next move, elaborating on the gesture or darting off in another direction. The febrile, chunky support from Lucaciu and von Buttlar allows the pianist to carve out space or unleash a contrary thrust. There are moments when the trio come together in a more conventional fashion, but the excitement in the music is shaped by a wonderful internal dissension.”

Peter Margasak
https://petermargasak.substack.com/p/spaces-displaced

“Leaning towards the harmonic and rhythmic sensibilities of jazz, their music is largely freely improvised, their spiky, changeable soundscapes suggesting kinship with the Howard Riley trio of the early 1070s featuring Tony Oxley and Barry Guy.

Pianist Gregor Forbes offers Cecil Taylor inflected phrasing (swiftly repeated figures in octave transposition, jackhammer tremolandi) while reining in the more obviously outré aspects traditionally associated with free jazz pianism (clusters, gnarly dissonances, ‘energy’ playing). Bassist Robert Lucaciu is an active bass player without being overly busy … while drummer Johannes von Buttlar is particularly acute on brushes, leaning into the ambiguity they offer between momentum and stasis. Some tracks cover a variety of moods, others are more like etudes in a single area. The opener “Voles” finds Forbes repeating an upward and downward scalar figure, each time with minute alterations, over Lucaciu’s creaks and plucks, like turning a microscope on what might have otherwise been just one part of a longer improvised solo.

Elsewhere, as on “Blue Greegs”, the album’s only track to include composed material, the pianist’s sombre lyrical alterations are given weight and resonance by judicious, but not excessive, use of the sustain pedal. If the album has a single modal characteristic, I’d call it a kind of introspective extroversion. Drummer von Buttlar keeps things moving, but moving as if hanging in the air, whether with skittering or whispering brushes or crisp cymbal rhythms, so that space hangs between notes and phrases – notably when the spectra of bass harmonics and the after-echo of sustain pedalled piano notes merging to hang in the air on “Undergrowth”, a lovely effect.

“Prism” features some of the densest music on the record, opening with what is effectively a drum solo over scrabbling bass and inside-piano pluck before a series of staggered chords leads into the hushed magic of a consonant close. A band to watch.”

David Grundy, The Wire magazine

Das Debütalbum des Altered Forms Trio ist ab 4. Oktober 2024 bei Boomslang Records (Österreich) als Vinyl, CD und Download erhältlich. Recorded, mixed and mastered by Tito Knapp at Zentrifuge, Berlin. Album artwork by Julian Kramer

https://boomslangrecords.bandcamp.com/album/altered-forms-trio

https://www.boomslang-records.com/releases/altered-forms-trio

Gregor Forbes squarespace.com

Foto © Sebastian Lautenbach

Fotos © Robert Fischer

Fotos © Guillermo Luz Y Graf

11.02.2025_Nebbia / Downes / Lisle: „Exhaust“

Camila Nebbia (Saxofon)
Kit Downes (Klavier)
Andrew Lisle (Schlagzeug)

Das Improvisationstrio „Exhaust“ besteht aus der Saxophonistin Camila Nebbia, dem Pianisten Kit Downes und dem Schlagzeuger Andrew Lisle. Sie trafen sich in der freundschaftlichen Umgebung des spontanen Musizierens – des schnellen Denkens und der klanglichen Erkundung. Ihr erstes Album „Exhaust“ erscheint Anfang 2025 auf dem New Yorker Label Relative Pitch, nachdem sie in ganz Europa auf Festivals und an Orten wie dem Berliner Jazzfest, dem Bimhuis in Amsterdam, dem Cafe Oto in London und dem Jazz Jantar in Danzig aufgetreten sind.

Die aus Buenos Aires stammende und in Berlin lebende Camila Nebbia ist Saxophonistin, Komponistin, Improvisatorin, bildende Künstlerin und Kuratorin. Die Zeitschrift Jazz PT bezeichnete sie als „eine unverzichtbare Saxophonistin unserer Zeit“. Die multidisziplinäre Künstlerin erforscht in ihrer Arbeit die Konzepte von Identität, Migration und Erinnerung, indem sie archivierte Erinnerungen schafft und zerstört.

Ihr jüngstes Soloalbum „una ofrenda a la ausencia“ (ein Angebot an die Abwesenheit), erschienen bei Relative Pitch Records, wurde von NYC Jazz Record als „ein sehr menschliches und persönliches Album, das den Hörer mit einem leidenschaftlichen Zugang zum Jazz überrascht“ beschrieben.

Sie spielte und nahm mit vielen Künstlern der internationalen Szene auf, darunter Marilyn Crispell, Michael Formanek, Angelica Sanchez, Randy Peterson, Tom Rainey, Patrick Shiroishi, Vinnie Sperrazza, Katt Hernandez, Kenneth Jimenez, Lesley Mok, Susana Santos Silva, Elsa Bergman, l‘ Arfi collective of Lyon, Joanna Mattrey, Vincent Dromowski’s Flow regulator, Kit Downes, Andrew Lisle, John Hughes und viele andere.

Mitbegründerin und Kuratorin des interdisziplinären Kollektivs und der improvisierten Musikreihe „La Jaula se ha vuelto pájaro y se ha volado“, des interdisziplinären Festivals „Guillotina Fest“ und Gründerin und Kuratorin der Streaming-Konzertreihen „The warmth of proximity“ und „A door in the mountain“. Kuratorin der Reihe „Disfigured Rivers“ in Berlin.
Camila Nebbia wird gefördert von D’Addario Woodwinds.

Kit Downes ist ein mit dem BBC Jazz Award ausgezeichneter und für den Mercury Music Award nominierter Solokünstler für ECM Records. Mit seinen eigenen Bands (ENEMY“, Troyka“ und Elt“) und mit Künstlern wie Squarepusher, Bill Frisell, Empirical“, Andrew Cyrille, Sofia Jernberg, Benny Greb, Mica Levi und Sam Amidon ist er als Pianist, Kirchenorgel und Harmoniumspieler weltweit unterwegs.

Kit gibt Solokonzerte an der Pfeifenorgel und am Klavier und arbeitet mit dem Saxophonisten Tom Challenger, der Cellistin Lucy Railton, dem Komponisten Shiva Feshareki, dem Saxophonisten Ben van Gelder und der Band ‚ENEMY‘ (mit Petter Eldh und James Maddren) zusammen.

Zurzeit arbeitet er mit dem Geiger Aidan O’Rourke, dem Schlagzeuger Seb Rochford, dem Komponisten Max de Wardener und im Orgeltrio „Deadeye“ mit Reinier Baas und Jonas Burgwinkel.

Er schrieb Auftragswerke für das Cheltenham Music Festival, das London Contemporary Orchestra, das Bieler Orgelfestival, das Ensemble Klang beim ReWire Festival, das Scottish Ensemble, die Kölner Philharmonie und den Wellcome Trust. Von 2017 bis 2018 wirkte er in der Produktion „Network“ des National Theatre mit dem Schauspieler Bryan Cranston mit.

Er gab Orgel-Solokonzerte in der Elbphilharmonie in Hamburg, in der Kathedrale von Lausanne, im Flagey in Brüssel, in der Royal Albert Hall in London sowie in der Southbank Royal Festival Hall, beim Rochester Jazz Festival (USA), in St. Olafs Minneapolis (USA), im Stavanger Konserhus, im Aarhus Philharmonic Musikhuset, beim Darmstädter Orgelfestival, beim Stuttgarter Orgelfestival, in der Laurenskerke in Rotterdam, im Orgelpark Amsterdam, in der Kaiser-Wilhelm-Gedächtniskirche, beim Jazzfest Berlin, bei den BBC Proms und vielen anderen.

Er ist Stipendiat der Royal Academy of Music in London, an der er selbst studiert hat und heute unterrichtet. Zweimal wurde er beim Downbeat Critics Poll zum Rising Star für Orgel bzw. Keyboard gewählt, und seine ECM-Alben Obsidian“, Dreamlife of Debris“ und Vermillion“ wurden von der Kritik hoch gelobt.

Andrew Lisle ist in Northumberland geboren und aufgewachsen und lebt heute in London. Sein schnelles und sehr strukturiertes Spiel voller rhythmischer Komplexität macht ihn zu einem gefragten Mitglied der fruchtbaren Jazz- und Improvisationsmusikszene. Lisle, der sowohl treibend als auch abstrakt spielt, hat mit vielen führenden Stimmen der britischen und europäischen improvisierten Musikszene zusammengearbeitet, darunter Kit Downes, John Edwards, Alex Ward, Charlotte Keeffe, Ab Baars, Rodrigo Amado, Hernani Faustino, John Dikeman, Colin Webster und Dirk Serries.

Social media:
https://www.instagram.com/lamujerparecidaami/
https://www.instagram.com/kitdownesmusic
https://www.instagram.com/andrew_lisle/

Web:
https://www.camilanebbia.com/
https://www.kitdownesmusic.com/
https://linktr.ee/andrewlisle

Foto © Cristina Marx/Photomusix

Fotos © Ssirus W. Pakzad

Fotos © Guillermo Luz Y Graf

14.01.2025_Almost Natural

Sebastian Gille (Saxophon)
Elias Stemeseder (Klavier, Synthesizer)
Leif Berger (Schlagzeug)
Florian Herzog (Kontrabass)

Ein Irrgarten ist ein Ort, an dem man sich verliert, ein Labyrinth hingegen ein Platz, an dem man sich findet. Der Kölner Bassist Florian Herzog durchbricht auf seinem Album „Almost Natural“ die schmale Trennwand zwischen Labyrinth und Irrgarten und schafft ein Refugium, an dem sich nicht nur er und seine Mitmusiker, sondern auch die Hörerinnen und Hörer der Platte gleichzeitig finden und verlieren können.

Grundsätzlich lebt „Almost Natural“ von brillant ausbalancierten Gegensätzen. Das Hyperaktive begegnet dem Entspannten, das Verbindliche dem Unverbindlichen, das Synthetische dem Organischen, das Abstrakte dem Zugänglichen, das in sich Gebrochene dem kontinuierlich Fließenden, das Groovige dem Avantgardistischen. Herzog lotet alle Ecken und Winkel seiner musikalischen Persönlichkeit aus, ohne jemals das Epizentrum aus dem Blick zu verlieren. Er scheut sich nicht vor Extremen, die sich aber immer über das gemeinsame Zentrum definieren. „Wenn ich schreibe, setze ich immer auf diese Kontraste“, hält der Bassist fest. „Die freie Improvisation ist mir ungeheuer wichtig. Bei aller Abstraktion suche ich aber auch stets nach einem Kern, der die Musik zugänglich macht. Das kann eine Melodie oder ein Groove sein, der ein Kopfnicken auslöst, auch wenn man bei Hören vielleicht gar nicht hundertprozentig nachvollziehen muss, was da wirklich passiert. Bei der Setlist des Albums genauso wie beim Ablauf eines Live-Konzerts weiß ich, dass man nach fünf Minuten Chaos erstmal wieder ein paar Melodien oder Akkorde zum Entspannen braucht. Im Großen wie im Kleinen.“

Mit voller Absicht führt Herzog das Ohr schon in den ersten beiden Tracks in die Irre. Der Opener „Listening Integrity“ ist ein Feuerwerk an Abstraktion und Wildheit, während der zweite Song „Advanced Computer Music“ sanft an die Klangästhetik von Fusion Jazz erinnert, ohne es an struktureller Komplexität mangeln zu lassen. Auch in der Folge macht Herzog äußerst vielfältige Angebote, als würde man über einen Archipel von Inseln mit ganz verschiedenen klimatischen Bedingungen, geologischen Formationen und Besiedlungsdichten fliegen. Und doch gehören all diese Eilande zu ein und derselben Inselgruppe. Herzog hat diese beiden Songs, die gegensätzlicher kaum sein könnten, bewusst an den Anfang des Albums gesetzt, um nicht nur das Spektrum der Songs abzustecken, sondern durch den positiven Schock des ästhetischen Systemwechsels beim Hören auch einen Höchstgrad an Aufmerksamkeit zu generieren.

Vieles klingt hier nach im ersten Augenblick Free Jazz, doch Herzog behält viel zu viel Kontrolle über den musikalischen Gesamtprozess, als dass es wirklich genuiner Free Jazz wäre. Mit seinen Kollegen Elias Stemeseder an Klavier und Synthesizer, Sebastian Gille am Saxofon und Leif Berger am Schlagzeug hat der Bassist drei Mitstreiter, mit denen er nicht nur jeden erdenklichen Spielgrund ausschreiten kann, sondern die sich auch – um beim oben genannten Bild zu bleiben – in jeder Situation individuell und kollektiv komplett verlieren können, um sich genauso schnell und intuitiv wiederzufinden. Womit ein weiterer sich bedingender Gegensatz gefunden wäre: der permanente Dualismus zwischen Festhalten und Loslassen.

Mit seinen drei Mitspielern verbindet Herzog eine Symbiose, die sich am besten mit dem Albumtitel almost natural beschreiben lässt. In blindem Einverständnis preschen sie gemeinsam los, fangen sich gegenseitig auf, durchdringen einander, grenzen sich zuweilen auch voneinander ab, um die miteinander geschaffenen Demarkationslinien sogleich wieder aufzulösen. Im kollektiven Spiel verlagert sich das Impulszentrum unentwegt. Am längsten kennt Florian Herzog Drummer Leif Berger. Die beiden Kölner bilden seit ungefähr zehn Jahren in den unterschiedlichsten Formationen eine stabile Rhythmuseinheit. Herzog betont, dass sie in diesem Zeitraum nebeneinander und miteinander gewachsen sind, ohne dass Einer von beiden je in einer Band des jeweils Anderen gespielt hätte. Mit „Almost Natural“ geht somit ein lange gehegter Wunsch in Erfüllung. Den österreichischen Tastenmann Elias Stemeseder lernte Herzog in New York kennen. Die beiden Musiker waren Nachbarn und ließen keine Gelegenheit aus, miteinander zu spielen. Wie Berger zeichnet sich auch Stemeseder durch eine schier grenzenlose intuitive Flexibilität aus, die ihn nicht nur spontan auf jeden Kontext reagieren, sondern auch stets in Vorleistung gehen und gestalten lässt. Seine Sounds sind speziell auf dem Synthesizer, den er im Ursprung des Wortes zur expliziten Klang-Synthese benutzt, nicht zuletzt das Bindemittel, das die Intentionen der drei Anderen zusammenhält. Die Partnerschaft mit dem für seine Husarenritte bekannten Saxofonisten Sebastian Gille verdichtete sich während der Corona-Zeit. Man traf sich regelmäßig gemeinsam mit Leif Berger und begann die Grundlage für die Stücke zu legen, die jetzt auf „Almost Natural“ vollendet wurden. Herzog selbst agiert hier nicht nur als Bassist und Komponist, sondern auch als Post Producer, der nach den Echtzeit- Sessions mit viel Fingerspitzengefühl Hand anlegte und den Songs ihren endgültigen Schliff verlieh.

In den speziellen Qualitäten dieser Besetzung bringt Florian Herzog den Mut zu einer Entscheidung auf, die man im Jazz ebenso selten antrifft wie in allen anderen Musikrichtungen. Das Quartett definiert sich weniger über seine gemeinsame Schnittmenge als über die individuellen Gegensätze seiner Mitspieler. Daraus resultiert eine geradezu explosive Spannung, ganz egal, ob es sich um die dynamischeren Parts oder die ruhigeren Phasen handelt. Aus der Unterschiedlichkeit der jeweiligen Positionen heraus können sich die vier Musiker in jedem Stück neu begegnen. Die Interferenzen des Zugangs und der Auffassungen ermöglichen einen Mehrwert, der weit über das von der Besetzung Saxofon-Tasten- Bass-Schlagzeug Erwartbare hinausgeht. Die übliche Rollenverteilung wird konsequent aufgebrochen und die Anteile neu und stets überraschend montiert.

Die Dramaturgie von „Almost Natural“ lässt sich am besten mit dem Songtitel „Misleading Energy“ beschreiben. Es ist wie ein aktiver Vulkan, dessen Kamine hier und da aufbrechen und kochende Lava in die Umgebung spucken, auf dessen fruchtbaren Hängen es aber ansonsten grünt und blüht. Zuverlässige Unvorhersehbarkeit – das ist es, was dieses Album vor allem anderen auszeichnet.

Foto © Patrick Essex

www.florianherzog.info

Fotos © Robert Fischer

Fotos © Guillermo Luz Y Graf

15.04.2025_Marie Krüttli Trio

Marie Krüttli (Klavier)
Lukas Traxel (Kontrabass)
Gautier Garrigue (Schlagzeug)

Auf ihrem neuen Album Scoria (benannt nach dem Lavagestein), das im Oktober bei Intakt erscheinen wird, erschafft das Trio um Marie Kruttli eine musikalische Landschaft, die lebendige, filmische Bilder hervorruft und durch verschiedene Klangwelten führt. Krütlis Kompositionen bewegen sich nahtlos zwischen kontrastierenden Texturen. Mal sind sie fliessend und ruhig wie Wasser, mal trocken und karg wie in der Wüste. Dann wieder bauen sich die Stücke zu gewaltigen, kathedralenartigen Gebilden auf, um kurz darauf wieder in introspektive Tiefen abzutauchen. Inspiriert von der Liebe, der Zeit und der Natur vermischen sich in Maries Stücken traumartige Passagen mit erdigen Rhythmen. Das Album Scoria verkörpert genau diese Dualität – feurig und unverwüstlich, aber auch fähig, lebensspendendes Wasser aufzunehmen. „Und während sie das Gefühl einer Live-Schleife schaffen,“ schreibt Kevin Le Gendre in den Liner Notes, „erfüllt Krüttlis Trio seine Mission, Musik zu machen, die auf dem Weg zu unbekannten Zielen gekonnt viele Grenzen überwindet. Scoria ist ein Album, das mit einem ganz eigenen Zeitgefühl geschaffen wurde, und das immer wieder gehört werden sollte.”

Marie Krüttli ist eine in Berlin lebende Schweizer Pianistin, Komponistin und Produzentin. Sie wurde in einem Schweizer Dorf in eine Musikerfamilie geboren und begann im Alter von 6 Jahren mit dem Klavierspiel. Sie studierte zunächst klassische Musik, bevor sie zum Jazz wechselte (später absolvierte sie ein Bachelor- und Masterstudium an der HEMU Lausanne und der HSLU Luzern). Marie hat zahlreiche Preise für ihre Auftritte und Kompositionen erhalten. Die Band, mit der sie bisher am häufigsten aufgetreten ist, ist ihr Trio (jetzt mit dem Bassisten Lukas Traxel und dem Schlagzeuger Gautier Garrigue), aber die Künstlerin arbeitet auch Solo und einem Projekt namens Dragon Life, das aus ihrer Arbeit als Produzentin hervorgegangen ist.

Der Schweizer Bassist Lukas Traxel hat mit Größen wie Colin Vallon, Elina Duni, Lionel Loueke, Kurt Rosenwinkel und vielen anderen gespielt… Der französische Schlagzeuger Gautier Garrigue spielte mit Größen wie Henri Texier, Seamus Blake, Uri Caine… In Frankreich wurde er mehrmals zum „Schlagzeuger des Jahres“ gewählt.

Quotes from musicians:
– This young lady is phenomenal – saxophonist David Murray (during ZKB Jazz Preis win)
– A true piano language and compositional language, this is great! – pianist Jason Moran
– This music has a patient and adventuresome flow, and a real band chemistry!! – pianist Aaron Parks
– She is fearless!! – pianist Pablo Held

Presse:
– Die unerschrockene Schweizerin, die in Berlin lebt, liebt am Instrument abenteuerliche Akkordfolgen, lyrisch-sparsame Momente und dichte Pianistik gleichermaßen. Unter ihren 13 Trio-Miniaturen sind mitreißende, rhythmische Themen („Thinky Hearts“ „Balthazard“), aber auch ungewöhnliche Klangbilder, insistierende Motivbildungen oder kontrastreiche mehrteilige Stücke. Das evoziert-gerade in der Abwechslung – starke Visionen filmischer, aber auch philosophischer Art. –  jazzthetik, Hans-Jürgen Schaal
– Die junge Pianistin unterstreicht eine Souveränität im Spiel, mit Technik und Intuition, Virtuosität und Emotion – Jazz n More
– Kruttli, coming classically from the exoteric realm of Anton Webern but with all the personality and tonality of Andrew Hill or Art Tatum, displays a distinctive, yet rapidly evolving, emotive language all her own. – All About Jazz
– Marie Kruttli affirme son originalité en réinventant l’art du trio et s’impose comme la nouvelle voix du piano jazz – Citizen Jazz

SCORIA
Cover art and graphic design: Fiona Ryan
Liner notes: Kevin Le Gendre
Photo: Palma Fiacco
Intakt CD 427
Release Date: October 2024

https://www.intaktrec.ch/427.htm

http://www.shoestring-jazz.de/artists/marie-kruettli-trio/

https://mariekruttli.com/

Foto © Palma Fiacco

13.05.2025_Into the Big Wide Open

Eldar Tsalikov (Saxofon, Klarinette)
Valentin Gerhardus (Klavier, Live Sampling)
Felix Henkelhausen (Kontrabass)
Alfred Vogel (Schlagzeug)

(Anstelle von Felix Henkelhausen wird an diesem Abend Christian Weber Kontrabass spielen)

Alfred Vogel, Drummer und Macher des wundervollen Bezau Beatz Festivals, gibt sich hinterm Schlagzeug die Ehre: mit seiner augenzwinkernd selbst benannten „Avantgarde Boy Group“ aus Berlin (und einem viertel russischer Beteiligung).

Tsalikov, Henkelhausen und Gerhardus gehören zu einer um 25 Jahre jüngeren Riege und bringen derzeit viel frischen Wind in die europäische Impro-Szene. „Es ist mir eine grosse Freude, mit diesen jungen Musikern zu spielen – das hält fit und ist extrem inspirierend – auf allen Ebenen …“ so ein hochmotivierter Anfang 50er. INTO THE BIG WIDE OPEN hatten im Februar 2023 ihr Debut auf dem Partner Festival der Bezau Beatz – dem Porta Jazz Festival.

Komplett frei, ohne Netz und doppelten Boden wird hier drauf los improvisiert. Gelenkt wird das ganze von einem virtuellen 5. Bandmitglied: Valentin Gerhardus ist nicht nur ein ausgezeichneter Tasten Virtuose, sondern auch an den Reglern seines Laptops gibt er mittels Live-Samples aus Quellen seiner Mitmusiker dem ganzen einen kompositorischen Rahmen. Atmosphärisch, dicht und gleichermassen filigran kommen die musikalischen Abenteuer dieses Quartetts aufs Publikum zu und sorgen vor allem für Begeisterung jenseits Boy-Group-Genre-typischem Gekreische…

Foto © Cristina Marx

09.09.2025_Christoph Irniger Trio

Christoph Irniger (Tenorsaxofon)
Raffaele Bossard (Kontrabass)
Ziv Ravitz (Schlagzeug)

Das Christoph Irniger Trio feiert das Melodiöse, ohne je ins Triviale zu verfallen. Die Stücke sind Tondichtungen, die zeigen, dass die eingängige Melodie und eine komplexe Klangwelt einander nicht ausschließen müssen, sondern erst richtig zur Geltung bringen können. Es besticht dabei die sorgfältige Orchestrierung und die Art, wie in seiner Musik die Improvisation die Komposition verdeutlicht. Das Trio vermag Melodie, Arrangement, Improvisation zu einem stimmigen und verführerischen Ganzen zu verbinden.

In der Jazzzeitschrift Jazzthetik schrieb Henry Altmann: „Ein Trio das derartig ineinander verzahnt und auf gleicher Höhe miteinander spielt, findet sich selten. Man spielt völlig frei, aber zeitlich gebunden, schöpft aus dem Moment, jedes Stück ein Abenteuer, ein Ausflug in unbekanntes Terrain, dabei aber nie das Wichtigste – Energie und Poesie – ausser Acht lassend.”

Das Christoph Irniger Trio besteht seit 2011 mit Raffaele Bossard am Kontrabass und Ziv Ravitz am Schlagzeug und hat bisher drei exemplarische Alben vorgelegt. Auf dem zuletzt erschienenen Album Open City (2020) wird die Band durch den Saxophonisten Loren Stillman und den Posaunisten Nils Wogram ergänzt. In den folgenden Jahren war die Band mit Loren Stillman, Ben van Gelder oder Michael Attias unterwegs.

Man kann dieses Trio mit einem gleichseitigen Dreieck vergleichen, denn Raffaele Bossard, der 1982 in Los Angeles geboren wurde und in Zug aufwuchs, wo er auch studierte, und Ziv Ravitz, der 1976 im israelischen Be’er Scheva zur Welt kam und in Südfrankreich lebt, begegnen Irniger auf Augenhöhe. Sie sind nicht nur eminente Techniker, sondern verstehen sich auch traumwandlerisch sicher aufs Interplay und schaffen dabei eine Musik, die Verstand und Leidenschaft vereint, zeitlos und auf der Höhe der Zeit.

„Die Musik hat etwas sehr Zeitgemässes, Klangräume einer Welt, die aus den Fugen ist, und
im gleichen Zug etwas Überzeitliches, das einem Halt gibt und Trost.“
Peter Haffner

„Ein pures Vergnügen, dieses Trio! 5 Sterne.“
tef Rohrbach, Jazz n‘ More (CH)

„Das (Irnigers) Trio mit Raffaele Bossard und Ziv Ravitz fasziniert als kollektiver Klangkörper.“
5 Sterne. Pirmin Bossart, Kultrutipp (CH)

„This music has something of a lacerating quality of a masterpiece. (…) a delightful ensemble sound that is full of energetic excitement, brilliance and the genuine avant-garde spirit.“
Raul da Gama, JazzDaGama (CA)

Christoph Irniger – Tenor Saxophon, geb. 1979, ist ein Schweizer Saxophonist, Komponist und Bandleader. Laut der NZZ am Sonntag zählt er „zweifellos zu den grössten Talenten seiner Generation“. Irniger hat sich in den letzten Jahren in unterschiedlichen Formationen zwischen Jazz, Rock und verwandten Musikstilen profiliert. Er ist Leader der Bands Pilgrim und seinem Trio von welchen bis anhin insgesamt sechs Tonträger (fünf davon auf Intakt Records) erschienen sind. Von 2000 – 2006 studierte Irniger an den Jazzschule Zürich Musikpädagogik und an der Musikhochschule Luzern Performance bei Christoph Grab und Nat Su. Sein Werk ist bis anhin auf über 20 Tonträgern dokumentiert. Konzerte und Tourneen führten ihn durch Europa, nach Asien und den USA. Irniger unterrichtet an der Musikschule Konservatorium Zürich.

Raffaele Bossard – Kontrabass, geboren 1982, kam mit 17 Jahren üben die elektrische Bassgitarre zum Kontrabass. Im Sommer 2008 schloss er mit einem Master in Pädagogik und Performance (mit Auszeichnung) die Hochschule Luzern für Musik ab. Seit einigen Jahren stehen folgende Bands im Zentrum seines Schaffens: Christoph Irniger Pilgrim sowie dessen Trio mit Ziv Ravitz, Dave Gisler Trio, Dominic Egli’s Plurism mit Feya Faku, Matthias Spillmann Mats-Up, Roberto Bossard New Group und Joe Haider Trio. Seine Karriere liess ihn mit Jazz Grössen zusammenspielen wie: Kirk Lightsey, Joey Baron, Feya Faku, Dave Douglas, Nasheet Waits, Glenn Ferris und vielen Schweizer Jazzgrössen. Bei den Tourneen im In- und Ausland hat Raffaele Bossard auf rund 30 Festivals gespielt.

Ziv Ravitz – Schlagzeug, geboren 1976 in Beer-Sheva (Israel), begann im Alter von 9 Jahren mit Schwerpunkt Schlagzeug zu musizieren. Im Sommer 2000 zog er zur Erweiterung seiner Fähigkeiten in die USA und schloss 2004 die Berkelee School of Music mit einem Jazz-Kompositionsstudium ab. Regelmässige Auftritte mit Lee Konitz, Avishai Kohen, Yaron Herman Trio. Regelmässige Tourneen in der ganzen Welt und spielte mit Musikern wie Hal Crook, Joel Frahm, Joe Lovano, Tomasz Stanko, Ralph Alessi, George Garzone, Ben Monder, Aaron Goldberg, Aaron Parks und Esperanza Spaulding. Heute lebt Ziv in New York City, zählt dort zu den gefragtesten Schlagzeugern und ist eine wichtige Kraft in der israelischen Jazz-Bewegung.

https://christophirniger.com

Foto © Anja Illmaier

14.10.2025_Kaiser Pommes

Kasper Tranberg (Trompete)
Asger Nissen (Altsax)
Thorbjørn Stefansson (Kontrabass)
Oli Steidle (Schlagzeug)

Kaiser Pommes ist das brandneue Quartett des dänischen Trompeten-Helden Kasper Tranberg, sowie des in Berlin lebenden, dänischen Saxophonisten Asger Nissen. In diesem explosiven Treffen vereinen Kaiser Pommes die Jazzszene Kopenhagens und Berlins und zwar mit der deutschen Schlagzeug-Koryphäe Oli Steidle und dem angesagten dänischen Bassisten und Wahlberliner Thorbjörn Stefansson.

Mit dem Fokus auf weitreichende Impovisations-Strategien und hybride Beats verweben Kaiser Pommes mit maximaler Flexibilität die musikalischen Visionen von Tranberg und Nissen. Die unterschiedlichen Ansätze der Musiker zeugen von einem interessanten, agilen und frischen Aufeinandertreffen zweier musikalischer Generationen. Seit dem Debüt-Konzert beim Jazzfestival Kopenhagen 2023, im Rahmen der ILK Sessions im 5e, sind Kaiser Pommes durch Deutschland getourt und veröffentlichten im September 2024 ihr erstes Album.

11.11.2025_FLUT

Christopher Kunz (Sopran-/ Tenorsaxofon)
Isabel Rößler (Kontrabass)
Samuel Hall (Schlagzeug)

2015 von Kontrabassistin Isabel Rößler und Saxophonist Christopher Kunz in Nürnberg gegründet, kreiert FLUT mit Schlagzeuger Samuel Hall eine eindringliche Interpretation von Free Jazz, die in langen Bögen, mutierenden Texturen und starken Kontrasten, einen Sog aus geräusch- und songhaften Momenten entwickelt. FLUT zieht mit außergewöhnlicher Klangdichte, Gestaltungswille und Intuition das Publikum in ihren Bann und schafft dabei eine Atmosphäre, die gleichermaßen fordernd wie faszinierend ist.

„Diese Musik ist konstruktiv, ein tiefes Statement einer nächsten Generation, die nicht kopieren will, sondern eine Historie weiterschreibt in den wenigen besten Fällen. Flut ist so ein bester Fall, weil eine verbindende und einladende Lust vorgeführt wird in einer Zeit der Isolation und der gedanklichen Fragmentierungen, die sich hinter sozialen Medien etc. verbergen. Die Fähigkeiten des Saxofonisten Christopher Kunz scheinen unbegrenzt, doch geht es nicht darum, sie vorzuführen. Eher geht es darum, sie in einem größeren Diskurs beiläufig aufscheinen zu lassen.“

„Diese Musik lädt ein zum Staunen, zum Dabeisein, zum Spaß am Detail, zum Reingehen in einen Mikrokosmos, der wächst mit jeder Begegnung. Sie verliert sich nicht im Eskapismus, stattdessen ist sie schön und immer schöner. Sie spricht eine Einladung aus, etwas zu entdecken. Diese Band ist wie ein Organismus, der Impulse sendet, die weiter und immer weiter führen“

Ulrich Steinmetzger

www.flut.bandcamp.com
www.facebook.com/flut3
www.christopherkunz.net/flut

Foto © Dovile Sermokas